> 2014 in Music: Best Albums_

#10 Sophie Ellis Bextor - ШАNDЄЯLUЅT

      Tras una ausencia musical de casi 3 años después de un desastroso disco como lo fue "Make A Scene" que pasó prácticamente desapercibido, Sophie Ellis-Bextor entró a una "crisis musical": aquella gloriosa etapa en donde triunfaba enormemente en las listas de popularidad a principios de los 2000s con aquellos temazos del "Murder On The Dancefloor" o "Groovejet (If This Ain't Love)" se había comenzado a caer en declive de manera considerable -su último hit top ten en Reino Unido fue hace 7 años-, e inclusive la cantante pensaba seriamente en retirarse de la música para concentrarse en su -muy amplia- familia. Sin embargo, la idea de un quinto disco se mantenía en pie, y si bien la idea era de apegarse a los sonidos electro-pop de sus inicios, no fue sino gracias a Ed Harcourt que decidió reinventarse y probar un estilo musical completamente distinto: una mezcla entre rock-pop setentero, indie rock y un poco de blue-eyed soul; y tras su retorno a la palestra gracias a su participación en 2013 en el reality británico "Strictly Come Dancing", Bextor nos presenta "ШАNDЄЯLUЅT", un disco tan enigmático como la portada misma.

    Desde el impresionante intro de guitarras muy "a-la-Led-Zepellin", "Birth Of An Empire" marca el comienzo de esta nueva etapa, tanto artística como personal, en donde Sophie se luce sin esfuerzo alguno, mostrando que, en efecto, hay que tomarla muy en serio. Y es que es muy difícil de digerir los primeros minutos de "ШАNDЄЯLUЅT" pensando en aquella diva del electro-pop y de las pistas de bailes cantando ahora temas muy del estilo de Duffy ("Runaway Daydreamer"), o con elementos rock-pop ochenteros de The Pretenders con ciertos guiños para Eurovisión ("The Deer & The Wolf"), e inclusive con temas que traen reminiscencia a KT Tunstall (la energética "13 Little Dolls"). Quién diría que esta belleza británica tenía tantas cosas qué contar. Puntos extras por esa brillante fantasticidadlírica y sonora de "Love Is A Camera", que podría haber sido excelentemente el soundtrack de alguna cinta de la década de los 20s.

   Sin duda alguna "ШАNDЄЯLUЅT" representa el renacimiento de una artista ya en una etapa llena de madurez, quien ha decidido por incursionar en terrenos completamente distintos para encontrar una zona de comfort que parecía haberse desaparecido en sus últimas producciones discográficas. Sí, al principio creí que sería una tomada de pelo el hecho de que Sophie Ellis-Bextor se había "vuelto seria", cuando en realidad lo que nos pedía era que la escucháramos. Y vaya que lo ha conseguido.

Escucha "ШАNDЄЯLUЅT" a través de Spotify:

                                                                             

             #09 Paloma Faith.  A Perfect Contradiction.

    Pocas son las artistas que realmente han logrado destacar por su talento y extravagancia entre este mercado musical. Paloma Faith es una de ellas, quien ha logrado reinventarse y arriesgarse musicalmente hablando a lo largo de 5 años de trayectoria artística, y ahora nos presenta "A Perfect Contradiction", su tercer material discográfico para el cual ha decidido contar con la ayuda del nuevo "Rey Midas" Pharrell Williams además de un sinfin de productores R&B de la talla de Raphael Saadiq, quienes le dan un nuevo giro al estilo de la cantautora británica.

    El álbum comienza con "Can't Rely On You", el primer corte promocional co-escrito por Paloma -al igual que los 10 tracks restantes- junto a Pharrell, cuyo toque se nota desde los primeros acordes, llevando a la cantante a terrenos inesperados con una fuerte influencia a James Brown al igual que en "Take Me". Por otro lado, Saadiq brinda su toque en el tema "Mouth To Mouth", en donde por momentos suena a Mariah Carey en sus inicios; y por si no fuese suficiente demasiada influencia retro, Faith se luce en "Only Love Can Hurt Like This", un tremendo baladón escrito por Diane Warren y en la cual predominan los sonidos Motown. El desamor es la lírica primordial en "Contradiction" como lo demuestra en temas como "Other Woman" cuyo estilo recuerda al debut de John Newman, o "Taste My Own Tears" de la cual la propia Amy Winehouse estaría orgullosa.

   Sin duda "A Perfect Contradiction" es uno de sus trabajos más sólidos y coherentes de principio a fin, en donde Paloma demuestra su gran versatilidad -vocalmente no tiene nada más que demostrar-, con un caleidoscopio retro de géneros musicales que brindan a las nuevas generaciones un estilo musical que sin duda no pudiera haber regresado de manera impactante hace años atrás gracias a Winehouse y la oleada del "blue-eyed soul" británico que afortunadamente continúa vigente hasta nuestros días.

P.D. Puntos extras por tener una de las mejores portadas que he visto en mucho tiempo.

Escucha "A Perfect Contradiction: Outsider's Edition (Deluxe Version)" a través de Spotify:

                                 

#08 Jessie Ware.  Tough Love.

      Después del enorme aclamo recibido por la crítica y el buen recibimiento del público con su álbum debut “Devotion” en 2012 –del cual inclusive lanzó una edición especial-, uno diría que a Jessica Lois Ware (Octubre 15, 1984; Londres, Inglaterra) el éxito y la popularidad “se le subirían a la cabeza”. Para sorpresa de propios y extraños no ha sido ese el caso, ya que inclusive la cantautora aún no se ha creído eso de ser una “celebridad”, manteniéndose con los pies en la tierra y enfocándose en lo que mejor sabe hacer: esa exquisita mezcla de R&B y Soul que sin duda evoca a nombres tan conocidos como Sade o la propia Adele. Con tal carta de presentación como lo fue su debut, el reto del segundo álbum se ha hecho presente en “Tough Love”, el cual ha contado con la producción de BenZel y varios nombres conocidos en la mayoría de los temas que lo componen –y que de paso han sido co-escritos en su totalidad por la propia Ware-.    

  

    “Tough Love” arranca con el tema que también le da nombre, una delicada pieza de desamor que evoca a Paula Cole o la propia Sade con reminiscencias del R&B noventero; “You & I (Forever)” se sirve de la ayuda de Miguel (sí, el mismo del “#Beautiful” de Mariah Carey), quien le brinda un toque etéreo que se acopla sin problema alguno con el estilo y rango vocal de Ware, y por si fuera poco repite fórmula, esto en la sexosísima “Kind Of…Sometimes…Maybe”, un tema que sin duda evoca erotismo y sensualidad. Y tal y como el título del disco lo anuncia, predomina líricamente los problemas amorosos (su inspiración fue nada menos que los pleitos con su ahora marido), como lo muestra en el corte inicial así como la exquisita “Cruel” con todo y toques de violines, pero sin duda el momento clave y en donde Jessie se luce como nunca es en “Say You Love Me”, la cual cuenta con la ayuda del mismísimo Ed Sheeran en la composición, quien hace que Ware se ponga brutalmente honesta y con una melodía que va en un magistral ascenso hasta llegar a un clímax con un coro; por otro lado, el tan solicitado Dev Hynes (Florence and the Machine, Solange Knowles, Diana Vickers) brinda su aporte en “Want Your Feeling”.

     Sin duda alguna “Tough Love” es otra consistente y magistral muestra de la calidad musical de Jessie Ware, tanto en composición como en interpretación, y quien ha pesar de que no se considere una superestrella, con este disco simplemente lo comprueba, le guste o no.

P.D. Puntos extras por ese detallazo al final del tema “Champagne Kisses”.

Escucha "Tough Love (Deluxe Version)" a través de Spotify:

                                                             

#07 Sam Smith.  In The Lonely Hour.

     Pocos son realmente los artistas que comienzan su trayectoria musical con el pie derecho y con un meteórico ascenso en tan poco tiempo: Samuel Frederick Smith (Mayo 19, 1992) es uno de ellos. Desde su inclusión en el single debut del dúo electrónico Disclosure en la brillante "Latch", se auguraba un buen camino para el que se conoce artísticamente como Sam Smith: A mediados del 2013 consiguió su primer #1 junto a Naughty Boy con el tema "La La La", y para fin de año fue aclamado como la gran revelación musical británica del 2014 por parte de la BBC y los BRIT Awards. Con un sinfin de elogios por parte de críticos y fans de todo el mundo, Sam Smith nos presenta "In The Lonely Hour", su álbum debut que ha contado con la producción de Fraser T Smith, Simon Aldred y Eg White (Adele, Will Young, cuyas referencias musicales son más que lógicas).

    "Hour" comienza con el que fue su primer single en solitario, "Money On My Mind", en la cual Sam "se desquita" líricamente hablando contra quienes afirman que sólo compone temas por ganar dinero -aunque quién no lo hace, para ser honestos-; los arreglos orquestrales son magistrales desde los primeros segundos de "Good Thing" o en "I'm Not The Only One", mientras que en la poderosísima "Stay With Me" se hace acompañar de un coro gospel que le brinda un toque magistral a una canción cuya lírica es bastante deprimente: suplicarle a una persona de un "One Night Stand" que se quede un rato más; también hay cabida para los triángulos amorosos como lo muestra "Leave Your Lover", en donde Smith directamente le pide a la otra persona que deje a su pareja por él -ZAZ-. Por si no fuera suficiente nostalgia, en "I've Told You Now" Smith se desahoga tras una traición de una amistad, mientras que los guiños a Adele se hacen presentes en "Like I Can" -no en vano su nueva amiga Katy Perry lo ha bautizado como "la versión masculina de Adele"-; "Lay Me Down", con solo un piano y la desgarradora voz de Smith pidiéndole perdón a ese ser amado que hirió sus sentimientos, hacen que uno se sienta rendido ante la melancolía que abarca este enorme disco, que sin duda demuestra una enorme madurez y una potente voz bastante inusual para alguien de apenas 22 años recién cumplidos, y que sin duda lo coloca en esa increíble oleada del blue-eyed soul que nos ha brindado a talentos de la talla de Adele o Emeli Sandé. Quizás desde George Michael en solitario ya hacía falta una voz masculina que se uniera a ese selecto grupo, sólo espero que el próximo disco sea con algo de optimismo tras todo el éxito que aún le queda por cosechar tras el lanzamiento de este álbum.

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#06 Beyoncé.  BEYONCÉ.

      Literalmente sin decir "Agua va" y tras meses -casi un año- de especulaciones sobre su lanzamiento, en los últimos minutos del 12 de Diciembre apareció sin anticipación alguna y sin pre-ordenar "BEYONCÉ", el quinto álbum solista de Beyoncé Knowles, cuyo proyecto sorpresa se ha presentado como una "innovación" ya que es "un álbum visual", puesto que grabó videoclips para cada uno de los temas incluídos en este disco, e inclusive hasta de temas que no se incluyeron -"Grown Woman" es uno de ellos-, aunque la idea no es del todo innovadora tomando en cuenta que para la re-edición de su disco "B-Day" lanzó un DVD con videos de casi todos sus tracks incluídos. Para su álbum homónimo, Beyoncé contó con la producción de un sinfin de artistas que van desde Hit Boy hasta Terius Nash pasando por Ryan Tedder, Pharrell Williams, Timbaland e inclusive el propio Justin Timberlake.

    Un años después aún no podemos reponernos del shock de un nuevo disco de Beyoncé sin previo aviso, sin promoción alguna, así, directamente a iTunes -y después en múltiples ediciones y formatos-, dejando huella en la música con un nuevo término: "aplicarse una Beyoncéada", algo que ha marcado pauta para muchos artistas que seguramente imitarán esta táctica, aunque quizás no con el mismo éxito como la ex Destiny's Child, quien además de presentar el mejor disco de su carrera, visual y musicalmente es de lo más impecable, sin dejar a un lado su feminismo que ha defendido a capa y espada, sino también mostrando que después de convertirse en mamá se puso de lo más horny/MILF que nunca, entre la montada de surfboard en "Drunk in Love", hasta el blowjob en un automóvil en "Partition", que seguramente apenaría hasta a la mismísima Blue Ivy cuando tenga edad de entender las líricas de este material.

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#05 Sia.  1000 Forms Of Fear.

       La vida de Sia Furler es bastante digna de una biografía: su primer novio murió trágicamente en un accidente automovilístico, sobrevivió a una terrible etapa depresiva llena de alcohol y drogas y estuvo al borde del suicidio, y por si fuera poco ha sufrido de tiroides y de defensas débiles. Afortunadamente la cantante y compositora australiana ha logrado superar todos estos obstáculos y tras varios lanzamientos discográficos, estos últimos años han sido los más exitosos de su vida, estando detrás de éxitos para artistas como Rihanna ("Diamonds"), Celine Dion ("Loved Me Back To Life"), Rita Ora ("Radioactive"), Britney Spears ("Perfume"), Christina Aguilera ("Blank Page") y muchísimos más, pero también se ha dado el tiempo para prestar su voz junto a David Guetta ("Titanium", "She Wolf (Falling To Pieces)") y Flo Rida ("Wild Ones"). Tras haber negociado un contrato discográfico con RCA -en el cual una de sus cláusulas es que no habrá conciertos ni mucho menos presentaciones de ella mirando a la audiencia y/o a las cámaras-, Sia nos presenta "1000 Forms Of Fear", su ya sexto álbum de estudio, para el cual ha contado nuevamente con la producción de Greg Kurstin y de Diplo. 

  "Fear" arranca con esa desgarrador primer single promocional, "Chandelier", ese himno al "A la mierda todo, desperdiciaré mi vida en el alcohol" y que sin duda nos muestra ese potente y único rango vocal de la australiana; otra igual de desgarradora aunque en un tono un poco "liviano" es "Big Girls Cry", en donde nos insiste en una cruel verdad: "Big girls cry when their hearts are breaking", mientras que en "Straight For The Knife" nos cuenta de una relación tormentosa con consecuencias un tanto fatales. "Burn The Pages", quizás una de las muy pocas canciones optimistas del disco, nos habla de dejar atrás los problemas, de escribirlos en un libro para después incendiar las páginas como su título lo indica; pero no todo en el álbum es desamor, también existe un poco de amor de una manera un tanto bizarra como lo muestra en "Hostage", un divertido corte popero en donde Sia se siente "prisionera del amor", mientras que en "Free The Animal" su amor se va a momentos más salvajes con sonidos de synthpop ochenteros, o como en el caso de "Fire Meets Gasoline", Sia realiza una metáfora de ambos componentes para crear "una explosión amorosa". Por momentos es bastante inevitable escuchar alguno de los temas en voz de alguna de las artistas a las cuales Sia les ha compuesto un tema, y a la vez nos hace pensar en todo ese inmenso talento que tiene y que sin duda ha sido un acierto el interpretarlos en lugar de otorgárselos a alguien más. Otro de los aciertos es el haber incluído "Elastic Heart", su colaboración con Diplo y The Weeknd y que formó parte del soundtrack de la cinta "The Hunger Games: Catching Fire". Los sonidos californianos muy "a-la-Lana-Del-Rey" se hacen presentes en "Cellophane", un tema que podría ser un excelente soundtrack para alguna cinta de Tarantino, mientras que "Dressed In Black" se lleva puntos extras por ese tremendo loop al que nos lleva a media canción, y además cuenta con uno de los mejores cierres de un disco en muchísimo tiempo.

   Al igual y como lo hiciera Beyoncé con su último disco, Sia ha cambiado el juego en la escena pop femenina: en lugar de aparecer en múltiples programas televisivos y con una masiva publicidad, modestamente ha presentado un trabajo equilibrado, desplegando su enorme talento tanto como de compositora como de intérprete, dejando que nada más que la música y otros elementos visuales hablen en lugar de dar la cara, o de enseñar chichis como la mayoría de sus contemporáneas. 

Escucha "1000 Forms Of Fear" a través de Spotify:

                                                                         

#04 Tove Lo.  Queen Of The Clouds.

        Si bien pareciera ser que Tove Lo es una de las jóvenes revelación de este año, la verdad es que es todo lo contrario: Tove Ebba Elsa Nilsson (Octubre 29, 1987, Estocolmo, Suecia) ha estado como co-escritora junto a Xenomania en temas para Icona Pop ("We Got The World", "Ready For The Weekend"), Girls Aloud ("Something New"), Cher Lloyd ("Killin' It") y The Saturdays (la infravalorada "What Are You Waiting For?") entre otros. No fue hasta mediados de este 2014 que Tove logró su repunte como cantante gracias al remix de uno de sus primeros hits: "Habits", renombrado "Stay High (Habits Remix)", el cual se convirtió en un éxito top ten en buena parte de Europa. Lo más curioso es que "Habits" ha logrado un ascenso lento pero seguro en el listado Billboard, y ha alcanzado el top ten en iTunes en Estados Unidos, un éxito un tanto inusual para una cantante sueca. Después de darnos un adelanto con el EP "Truth Serum" -del cual un par de temas se han agregado a este álbum-, Lo finalmente nos presenta "Queen Of The Clouds", su álbum debut en el cual ha co-escrito todos los temas de su disco y con la producción de todo un ejército sueco comandado por The Struts.

      "Clouds" se divide en tres secciones: "The Sex", cuyo título nos dice de qué trata la primera parte del álbum, comenzando con la enigmática "My Gun", la cual Nicole Scherzinger hubiera matado por haber cantado y cuyos innuendos sexuales sin duda ponen a moverse a uno desde la primera escuchada, mientras que en "Talking Body" se desinhibe diciéndole a su amor qué no le haría en "el momento íntimo"; y qué decir de esa maravilla lamada "Timebomb", la cual si bien confunde en un principio por lo extraño de su composición (las vocales llegan más rápido que la melodía), es una confirmación más de que Suecia es el mejor país exportador de Pop del mundo. Adentrándonos a la segunda parte, "The Love", Tove se avienta un "Momento Beyoncé" con la power ballad"Moments" en donde saca a relucir su lado más romántico al igual que en "Got Love" con todo y sus elementos synth-pop ochenteros. Pero sin duda alguna, es en "The Pain" en donde se muestra la carta fuerte del álbum, sintetizando el rompimiento sentimental, y nada más reflejado que, en efecto, su éxito "Habits (Stay High)", el soundtrack ideal para Lindsay Lohan y Amanda Bynes en sus épocas encocadas y en donde Tove ahoga las penas con alcohol y una que otra sustancia sospechosa; o la magistral "This Time Around" en donde la cantante se muestra musicalmente con una madurez que contrasta con la rebeldía de "Habits". 

    Como al parecer ya se ha vuelto una costumbre cada cierto periodo de tiempo, tiene que venir un artista sueco a salvar la escena Pop. "Queen Of The Clouds" es otra muestra de la calidad lírica y musical que ha otorgado Suecia al mundo pop, desde ABBA hasta Alphabeat pasando por Max Martin o Xenomania por tan sólo mencionar algunos de los compositores de los más grandes éxitos pop de los últimos tiempos. No duden que a Tove Lo le lloverán ofertas para componer temas a muchos más artistas (crucemos los dedos que entre ellos se encuentre el próximo álbum de Britney Spears, por favor)... Lástima que en Reino Unido tendrán que esperar hasta el 2015 para disfrutar de este álbum.

Escucha "Queen Of The Clouds" a través de Spotify:

                                                           

#03 Taylor Swift.  1989.

    Nadie hubiera pensado que esa chica llamada Taylor Alison Swift, esa oriunda de Pensilvania que se presentaba como una jovencita cantante Country que nadie se imaginaba que en unos años más adelante se convertiría en una de las ídolos pop juveniles a nivel mundial. Mucho ha pasado desde aquel álbum homónimo del 2006, teniendo más impacto hacia las masas hasta que consiguió su primer #1 en los listados mundiales con ese "We Are Never Ever Getting Back Together" que marcó sus adelantos a sonidos más Pop, y fue definitivo cuando salió "I Knew You Were Trouble." que tarde o temprano Swift abandonaría sus inicios Country para aventarse a los sonidos mainstream. Y así lo ha sido, aunque no de la manera convencional. Como lo había anunciado duante sus primeras promociones de este material, "1989" es el re-lanzamiento musical de la cantautora americana, quien ha reclutado a grandes nombres en la producción, desde Max Martin hasta Greg Kurstin pasando por Ryan Tedder y la propia Swift, quien ha bautizado este material con el año de su nacimiento.

    "1989" comienza con un homenaje a La Gran Manzana titulado "Welcome To New York", una producción de Ryan Tedder con una influencia synth-pop ochentero -así o más claras las referencias a su década de nacimiento-, mientras que en "Style" los guiños a Daft Punk son más que innegables (¿será una invitación abierta al dúo francés para una colaboración a futuro?), pero no es hasta "Out Of The Woods" donde nos topamos con una de las primeras sorpresas sonoras del disco: un magistral track con fuertes influencias a Sky Ferreira -no en vano ha declarado su admiración hacia la intérprete de "You're Not The One"-, o qué decir de "Shake It Off", ese nuevo "Hey Ya!" tan de moda en estos momentos y que fue el primer corte oficial de la era 100% popera de la cantautora americana; sin duda uno de los temas que ha dado de qué hablar sin siquiera haber salido a la luz ha sido "Bad Blood", y ahora que ya estará al oído de todos finalmente sabemos el por qué: sonoramente es un flirteo al hip hop y líricamente Taylor nos confiesa que una ahora-ex-amiga le hacía bullying, siendo una enorme indirecta a Katy Perry -no en vano esta última luego se puso el saco-. Y por si las referencias hipsters no fueran suficientes, en "Clean" ha contado con la composición de Imogen Heap, quien le da su toque especial a este tema. Y es que en cuanto a sonidos se refiere, aquella jovencita Country ha desaparecido por completo -aunque desde "I Knew You Were Trouble." nos podíamos dar una idea de lo que se vendría dentro de pronto-, y ha florecido en una nueva ídola Pop juvenil, una minuciosa mezcla indie folk meets pop entre Britney Spears, Sky Ferreira y Katy Perry, con el sello característico de Swift en la composición, inspirada para variar en sus experiencias de estos últimos dos años y líricamente tan honesta como siempre, y para muestra una simple frase de "Blank Space", esa canción en donde Taylor es más bien toda una "American Nightmare" (o mejor dicho, "la novia psicópata"): "Got a long list of ex-lovers".

    Sin duda alguna "1989" marca una nueva etapa musical en la carrera de Taylor Swift, quien en lugar de seguir el mismo camino exitoso que había conseguido con sus producciones anteriores, decide apostarlo todo con un giro radical pero sin apegarse ni sonar a lo actual, convirtiéndose en una próxima ídola indie-pop -con uno que otrobubblegum pop- que sin duda atraerá a los más escépticos, con un disco que sin duda la consagrará, como si en verdad lo necesitará más de lo que ya lo es. ¿Acaso soy el único que al ver la portada le han dado unas terribles ganas de tener una Polaroid?

No hay enlace para escuchar "1989" debido a su divorcio con Spotify y con cualquier servicio de streaming de música :(

#02 Azealia Banks.  Broke With Expensive Taste.

       Nunca pensé que Dios me prestaría vida para presenciar uno de los mayores hechos que se veían prácticamente imposibles en la historia de la humanidad: el lanzamiento del álbum debut de Azealia Banks. Sí, ese "Broke With Expensive Taste" que estaba saliendo a la luz desde Septiembre del 2012 (¡¡??) y que había sufrido más atrasos que el periodo de Paris Hilton, entre fiascos de promo-singles ("ATM Jam", del cual hasta Pharrell Williams se avergonzaría por haberla producido), una infinidad de peleas en Twitter con cuanto artista y productor se le cruzara, desde Disclosure hasta Lily Allen pasando por Baauer, eso sin contar con sus cambios de disquera. Justo cuando ya este disco había caído a manera de leyenda urbana con el último anuncio de su lanzamiento hasta principios del ¡2015!, Azealia se ha aventado una "Beyoncéada" y sin decir agua va ha lanzado finalmente su disco, manufacturado bajo su propia disquera, Prospect Park, y que de momento solamente puede conseguirse de manera digital a través de iTunes. 

      "BWET" explora las habilidades de Azealia como rapera y compositora, cosa que ya nos había quedado más que claros con su EP "1991" así como con el Mixtape "Fantasea" -del cual sólo el tema "Luxury" hace su aparición en este material-, y se adentra a una infinidad de terrenos musicales, desde las influencias tropicales estilo Carlos Santana ("Idle Delilah", la exquisísima "Gimme A Chance" en donde de paso se avienta un medley salsero cantando en español como si el espíritu de Celia Cruz se le hubiera poseído), pasando por el hip hop (cómo olvidar ese "212" que nos daba a conocer a esa finísima jovencita de finísimo vocabulario), hasta los sonidos dance noventeros tan atascados este año (la brillante "Chasing Time", en donde la voz de Banks suena prácticamente irreconocible por momentos), y de paso un alucine Motown por cortesía de la genial "Nude Beach A Go-Go". Y si de colaboraciones se trata, solamente incluye a 2 artistas: Lazy Lay en la mencionada "212" y a Theophilus London en "Jfk", por lo que Azealia se luce de principio a fin en este álbum, para el cual líricamente la joven de 23 años no ha cambiado en lo absoluto: letras directas y sin tapujos como lo muestra en "BBD" en donde su autoestima se pone "al tú por tú" con la de Kanye West -y que seguramente ella le ganaría-. 

     ¿Acaso la larguísima y eterna espera por "Broke With Expensive Taste", con todo y sus escándalos y traspiés de Azealia Banks, en verdad ha valido la pena? Con un completo y rotundo sí: este es un disco que sin duda debería de cimentar a la rapera y compositora como uno de los talentos más prodigiosos del rap, con uno de los mejores debuts del ¿2012? ¿2013? ¿2014? No importa qué año sea. Sólo será cuestión de esperar a que salga la versión física, y si algún día llegará a nuestro país.

Escucha "Broke With Expensive Taste" a través de Spotify:

                                                             

#01 Anastacia.  Resurrection.

     Mucho ha sucedido en la vida de Anastacia Lyn Newkirk en estos últimos años: a fines del 2012 lanzó "It's A Man's World", un terrible disco de cóvers digno de finalista de reality show musical, pero sin duda -y desgraciadamente-, a principios del 2013 la cantautora americana volvió a pasar por un terrible momento personal: el cáncer de seno volvió a aparecer, razón por la cual tuvo que cancelar sus presentaciones por Europa, a la par que sirvió como inspiración para la grabación de "Resurrection", su primer disco inédito en casi 6 años. Librando por segunda vez y para siempre la batalla, Anastacia ha "resurgido" musical y personalmente, retomando los sonidos pop-rock de aquel brillante disco homónimo del 2004, y para ello ha contado nuevamente con la ayuda de Glen Ballard, Dallas Austin, Toby Gad y los hermanos Biancaniello, entre otros.

      Desde los primeros segundos de "Staring At The Sun", tema con el cual arranca el disco, es inevitable que se erice la piel al escuchar la debilidad en la voz de Anastacia para después emprender el vuelo con una lírica en donde la cantante nos pide ser agradecidos con lo que tenemos en la vida y no dejarse vencer por las adversidades, algo muy personal que predomina en buena parte del disco. Igual de desgarradora y poderosa es la balada "Lifeline", en donde Anastacia habla metafóricamente de sobrevivir tras haber matado a un amigo -el cáncer-, y la cual inevitablemente arranca unas lágrimas desde los primeros segundos, algo que tenía muchísimo tiempo que no me ocurría al escuchar un tema tan impactante como este; "Stupid Little Things", el primer corte promocional, es un airoso regreso al estilo de aquel "Left Outside Alone" de hace una década (y de hecho en la edición Deluxe se incluye la segunda parte de este hit). Y es que este disco no tiene ni una sola imperfección ni un tema que haya sido "de relleno", algo que se sentía en sus últimas producciones: desde la poderosa "I Don't Want To Be The One" en donde ruega no perder a ese amor -quizás influenciada por su divorcio de hace unos años-, o la poderosísima "Stay", tema que grabó momentos después de que sus doctores le llamaron por teléfono para anunciarle que nuevamente el cáncer había regresado. Y si bien nadie es perfecto, lo mejor es pedir disculpas ante los errores cometidos en la vida, lección que Anastacia nos deja ver en "Apology". 

    De principio a fin, "Resurrection" es una montaña rusa de emociones al por mayor: Anastacia se abre en cuerpo y alma entregándolo todo en uno de sus discos más personales de toda su carrera. Es terrible tener que escribir que tuvieron que pasar 10 años y una recaída de cáncer para que Anastacia superara con creces ese discazo del 2004. Desde "The Sea" de Corinne Bailey Rae o "21" de Adele, no había un disco que me mantuviera conmocionado hasta las lágrimas de principio a fin como lo ha logrado este álbum. Anastacia se ha encontrado a sí misma, más fuerte y poderosa que nunca. Hasta el momento, el mejor disco de este año, y por mucho.

Escucha "Resurrection" a través de Spotify: